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Com sede em São Petersburgo, Rússia, Ilya Brezinski é tatuadora e ilustradora de peças de arte monocromáticas, tanto em couro quanto em papel.
Seus desenhos vão desde motivos poéticos e realismo frio até surrealismo sonhador
Surrealismo – as tatuagens de Ilya Brezinski
Sua representação de objetos da vida cotidiana, assim como animais e vegetais é, de fato, algo que vem diretamente do reino do subconsciente e dos sonhos. Visivelmente impressionante, suas tatuagens são ousadas, charmosas e cheias de humor. Provando que tudo pode ser arte, Ilya Brezinski não terminou de nos surpreender. Podemos encontrá-lo no Instagram para tatuagens mais escuras e misteriosas.
Os desenhos de tatuagem que gostaríamos de apresentar são particularmente interessantes em vários aspectos. Eles provam que a tatuagem não é a mesma de algumas décadas atrás. Suas técnicas são reminiscentes do pontilhismo, em que a própria imagem foi projetada com a ajuda de muitos pontos. O tatuador cria diferentes tatuagens com um design surreal, com tecnologia de ponta, que serve principalmente para criar efeitos 3D.
Suas idéias de tatuagem são impressionantemente artísticas e, em muitos aspectos, remetem às obras de vários artistas, incluindo Georges Seurat e Paul Signac, Salvador Dali e outros representantes do Surrealismo. Seus desenhos de tatuagem adornam a pele de uma maneira especial e os desejos e expectativas dos clientes se adaptam aos desenhos.
Seja uma tatuagem no antebraço, na perna, ombros, peito ou pulso, uma tatuagem de Brezenski sempre parecerá impressionante. As ideias do cliente e as suas próprias são analisadas cuidadosamente. Os desenhos de tatuagem o que pode ser visto abaixo servirá de inspiração. Leve a arte popular de tatuar o corpo a novos níveis com motivos exclusivos de Brzezinski.
As formas orgânicas são combinadas com o artificial. Assim, neste exemplo de uma paisagem espacial, você pode ver Saturno e outros planetas, bem como uma estrela cadente.
O paisagem Também é caracterizado por rochas pontiagudas e um edifício.
As formas de Ilya são predominantemente monocromáticas e muitas vezes não limitadas pelos limites usuais, às vezes percorrendo todo o corpo. Mas o que torna alguns deles ainda mais convincentes é que eles são um grupo de pontos, cuidadosamente pintados nesses designs maravilhosos. O estilo lembra muito o pontilhismo, inventado pelos artistas franceses George Seurat e Paul Signac em 1886.
Podemos nos concentrar em alguns de seus projetos, porque são muito variados.
O artista é capaz de capturar na pele uma imagem que mostra muito mais do que um pouco de tinta derramada.
O simbolismo de suas obras vem a formar um vínculo especial entre tatuador e cliente, algo que é difícil de conseguir hoje.
As obras não têm aparente semelhança entre si, mas dificilmente poderíamos confundir um projeto com Ilya Brezinski.
Você pode concordar com o artista para projetar um dos seus melhores sonhos. Uma tatuagem Brezinski pode refletir sua verdadeira personalidade na pele e torná-la incrível.
Certamente o tatuador oferece uma oportunidade única para levar designs exclusivos e originais que dificilmente podem ser imitados.
O pontilhismo é combinado com imagens surreais que vêm da mente do artista, e o resultado é sempre surpreendente.
Para aprender um pouco mais sobre sua técnica, vamos nos aprofundar no pontilhismo. O termo pontilhismo descreve a técnica da pintura neo-impressionista, na qual centenas de pequenos pontos ou listras de cor pura são aplicados à tela, a fim de criar o máximo de luminosidade.
Ou seja, em vez de misturar pigmentos de cor em uma paleta e depois aplicar a mistura na tinta, o pontilhista aplica pequenos pontos de cor pura sem misturar diretamente na imagem e depende do olho do espectador para misturar as cores opticamente.
Visto na distância correta (supostamente três vezes a medida diagonal), os pontos coloridos dão um efeito mais rico e mais sutil do que pode ser alcançado pelas técnicas convencionais. O pontilhismo (na verdade, um ramo do divisionismo) foi o estilo mais influente da pintura pós-impressionista (1880-95) e foi praticado por pintores pós-impressionistas de várias escolas diferentes. O divisionismo italiano, liderado por Vittore Grubicy De Dragon (1851-1920), foi especialmente ativo.
O pontilhismo refere-se estritamente ao tipo de marca que é feito na tela (o ponto). A teoria atual de misturar pigmentos de tinta opticamente, em vez de em paletes, é conhecida como divisionismo (ou cromoluminarismo). Para confundir ainda mais as coisas, diremos que pontilhismo foi o estilo francês de pintura conhecido como neo-impressionista. Em outras palavras, os pintores neo-impressionistas absorveram as teorias de cor do divisionismo e usaram pinceladas pontilhistas para criar cores mais brilhantes.
O fundador do pontilhismo foi Georges Seurat (1859-91), um estudante modelo na École des Beaux-Arts em Paris. pintor tradicional e convencional clássico, impressionismo rejeitado, um estilo de pintura e cor com base nas respostas subjetivas do artista individual, em favor de um método mais científico desenvolvido por volta de 1884 e foi chamado cromoluminarismo. Com base na teoria das cores científica francesa químico Michel Eugene Chevreul (Lei Contraste Concurrent cores, 1839), e o físico norte-americano Ogden Rood (Chromatics modernos, 1879), o método foi usado em certa medida pelos impressionistas, mas apenas em uma base ad hoc, e não foi desenvolvido sistematicamente até Seurat.
O principal discípulo de Seurat foi o ex-impressionista Paul Signac (1863-1935). Signac, um artista da paisagem costeira, foi fortemente atraído pelo método científico por trás do pontilhismo e do divisionismo e, após a morte de Seurat em 1891, tornou-se o principal expoente do movimento neo-impressionista. Além de pinturas a óleo e aquarelas, ele também produziu uma série de litografias, gravuras e desenhos a lápis e tinta compostos de pequenos e laboriosamente estabelecidos pontos. Signac, um forte defensor dos artistas mais jovens dentro do movimento pós-impressionismo, teria sido a primeira pessoa a comprar uma pintura de Henri Matisse.
Seurat e Signac continuam sendo os maiores expoentes do pontilhismo. Além deles, o impressionista Camille Pissarro (1830-1903) também era um membro ativo da escola, como Henri-Edmond Cruz (1856-1910), e Maximilien Luce (1858-1941), que retratou a sociedade industrial e cenas de classe de trabalho.
Por seu turno, o surrealismo é o movimento na arte visual e literatura, floresceu na Europa entre as duas guerras mundiais. O surrealismo cresceu principalmente do movimento anterior, que antes da Primeira Guerra Mundial produzia obras anti-arte que deliberadamente desafiavam a razão; mas a ênfase do surrealismo não estava no negativo, mas na expressão positiva.
O movimento representou uma reação contra o que seus membros viam como a destruição causada pelo “racionalismo”, que tinha guiado cultura e da política europeia no passado e que culminaram nos horrores da II Guerra Mundial. De acordo com o principal porta-voz do movimento, o poeta e crítico André Breton, que publicou o Manifesto Surrealista, em 1924, o surrealismo foi um meio para reunir reinos conscientes e inconscientes de experiência para que o mundo de sonho e fantasia se juntaria o mundo racional cotidiana em “a surrealismo”. Com base em teorias adaptados de Sigmund Freud, Breton viu o inconsciente como a fonte da imaginação.
pintura surrealista foi influenciada não só pelo dadaísmo, mas também para as imagens fantásticas e grotescas de pintores anteriores como Hieronymus Bosch e Francisco Goya e contemporâneos mais próximos como Odilon Redon, Giorgio de Chirico e Marc Chagall.
A prática da arte surrealista enfatizava fortemente a pesquisa e experimentação metodológica, enfatizando a obra de arte como um meio de impulsionar a pesquisa e a revelação psíquicas pessoais. 
Os principais pintores surrealistas foram Jean Arp, Max Ernst, André Masson, René Magritte, Yves Tanguy, Salvador Dali, Pierre Roy, Paul Delvaux e Joan Miró. O trabalho desses artistas é diverso demais para ser categoricamente resumido como a abordagem surrealista nas artes visuais. Cada artista buscou seus próprios meios de auto-exploração.
Alguns buscavam uma revelação espontânea do inconsciente, livre dos controles da mente consciente; outros, notadamente Miró, usaram o surrealismo como um ponto de partida libertador para uma exploração de fantasias pessoais, conscientes ou inconscientes, muitas vezes através de meios formais de grande beleza. Você pode distinguir uma gama de possibilidades que caem entre os dois extremos. Em um poste, exemplificado em sua forma mais pura pelas obras de Arp, o espectador encara imagens, geralmente biomórficas, sugestivas mas indefinidas. 
Quando a mente do espectador trabalha com a imagem provocativa, as associações inconscientes são liberadas e a imaginação criativa é afirmada em um processo de pesquisa totalmente aberto. Em maior ou menor grau, Ernst, Masson e Miró também seguiram essa abordagem, denominada de maneira diversa orgânica, emblemática ou absoluta. 
No outro pólo, o espectador é confrontado com um mundo completamente definido e bem representada, mas não tem sentido racional: completamente reconhecíveis e realistas imagens mente pintadas são removidos de seus contextos normais e reagrupadas em um quadro ambíguo, paradoxal ou chocante O trabalho tem como objetivo provocar uma resposta simpática no espectador, obrigando-o a reconhecer o “sentido” inerente do irracional e logicamente inexplicável.
* Ilya Brezinski
